No es casualidad que los reinos hispanos fueran los primeros territorios de Occidente sensibles a las manifestaciones del Trecento italiano, donde sorprendieron tanto por su estética renovadora como por su sofisticación técnica. A la existencia de unos fuertes nodos de comunicación mediterráneos (comerciales, diplomáticos, políticos…) que facilitaron la llegada de artistas y obras, se añadía la especial atención que los maestros hispanos mostraron hacia las novedades venidas de la península italiana. La exposición A la manera de Italia. España y el gótico mediterráneo (1320-1420), presentada en el Museo del Prado con el patrocinio exclusivo de la Fundación BBVA, revela el impacto italiano en el gótico español antes del Renacimiento. Su comisario, Joan Molina Figueras, ha explicado que esta muestra “es fruto de más de tres años de trabajo, de un concienzudo estudio de cada una de las piezas, de plantear nuevas atribuciones, de fundamentar un hilo argumental de un periodo muy conocido entre los especialistas, pero poco entre el gran público, e incluso diría que injustamente valorado por muchos académicos”, y agrega “esta exposición cuenta una historia, la de los intercambios y viajes de artistas y de obras entre Italia y España en el siglo XIV a través de una selección de sofisticadas piezas que pertenecen a un periodo único, en el que la combinación entre la viveza cromática y la manipulación de los dorados originó unos efectos estéticos singulares a nivel simbólico y óptico.” Apoyándose en más de un centenar de obras (pinturas, esculturas, orfebrería, manuscritos iluminados, dibujos, bordados, tejidos de seda…) se ilustra cómo los modelos del Trecento italiano fueron asimilados y reformulados por los artistas hispanos, dando lugar a un lenguaje visual híbrido y sofisticado. Están representados tanto maestros italianos, como Ambrogio Lorenzetti, Gherardo Starnina, Lupo di Francesco, Barnaba da Modena, Andrea di Petruccio o Geri Lapi, como personalidades hispanas, caso de Ferrer y Arnau Bassa, los hermanos Serra, Pedro de Córdoba o Miquel Alcañiz.
La originalidad de los maestros hispanos se hace patente en el uso de formatos peculiares para la pintura sobre tabla, como el retablo monumental, la máquina escenográfica predilecta para presidir los espacios de culto. Los retablos son también el soporte privilegiado para la experimentación de las elegantes técnicas de la pintura polimatérica. Como en Italia, la aplicación del oro no es un mero adorno, sino toda una estrategia estética que permite emular texturas y suntuosidades de tejidos de lujo, brocados y joyas. Incluso va más allá, y logra transformar las superficies. En manos de los pintores trecentistas hispanos, el retablo se transforma en una auténtica experiencia óptica y simbólica.
Si a lo largo de la muestra el discurso se centra en la incidencia que tuvieron los modelos italianos trecentistas en el paisaje artístico de los reinos hispanos, la última sección disecciona una situación inversa. El protagonista es Gherardo Starnina, un maestro toscano que, tras su paso por las coronas de Castilla y Aragón, agita el ambiente creativo de la Florencia de inicios del siglo XV con el renovador lenguaje tardogótico que había asumido durante su estancia en Valencia. Giorgio Vasari describió esta transformación diciendo que, cuando se marchó de Italia, era “muy rudo y tosco” y que “en España aprendió a ser gentil y cortés”. Su ejemplo revela que la permeabilidad de los escenarios artísticos, que hasta el momento solo habíamos visto desde el lado hispano, también afectó al universo italiano. Una prueba más de que la circulación artística en el Mediterráneo occidental dio lugar a realidades plurales ricas de acentos y alternativas. [Hasta el 20 de septiembre. Museo del Prado. Madrid. Museodelprado.es]
