Enmarcada en la belleza del macizo del Montseny y con sus aguas termales, La Garriga fue una ciudad elegida por la burguesía barcelonesa, entre finales del siglo XIX y las primeras décadas del XX, para construir espléndidas mansiones modernistas como residencias de verano. En este entorno privilegiado nació Ester Partegàs en 1972. Estudió arte y, en 1996, a sus 24 años, dos eventos decisivos marcaron su futura carrera: una exposición individual en Barcelona y la aventura de instalarse en Estados Unidos. Desde 1997 vive y trabaja en Nueva York, y mantiene estudios en Marfa (Texas), y en Barcelona. Actualmente, presenta de forma simultánea la exposición Arquitectura menor en Es Baluard de Palma (hasta el 5 de mayo), y en el Museo CA2M de Madrid (hasta el 14 de junio), en la que se revisan las últimas tres décadas de su trabajo. Partegàs trabaja con objetos y estructuras que forman parte de la vida cotidiana, como en la obra Line II (Laundry Baskets) (2025), una instalación creada para la exposición de Palma, que transcurre entre lo reflexivo, lo especulativo y lo juguetón: estructuras de arcos, que recorren en línea la instalación podrían sugerir, a pequeña escala, la arquitectura metafísica de arcos que inspiró a Giorgio De Chirico, entre los cuales se suceden encuentros fortuitos de objetos de la artesanía mallorquina como sillas, ollas, platos, cestos de mimbre, creando una conexión entre lo popular y la arquitectura vernácula balear, el talayot, y entre lo arqueológico y el tiempo presente.
¿Cómo fue su primera experiencia con el arte y cómo se profesionalizó? Crecí con mucha curiosidad por Dalí; primero, el personaje, y después, el artista. Recuerdo perfectamente el impacto que sentí al visitar el Teatro-Museo Dalí de Figueres; yo debía de tener unos 7 años. Me pareció un sitio fascinante, y en mi cabecita fui consciente de que todo lo que se presentaba -pinturas, instalaciones, muebles- era fruto de una imaginación avanzada y que era algo extremadamente serio e importante. Mi carrera se ha ido desarrollando de una manera muy orgánica. Siempre hacía cosas con las manos; disfrutaba yendo a exposiciones y museos y curioseando en todo lo cultural. A los 18 años ingresé en la escuela EINA, donde estudié arte, y más tarde en la Facultad de Bellas Artes. Mi trabajo entró en la esfera pública en 1996, mientras cursaba tercero de Bellas Artes y Manel Clot, crítico de arte y comisario, me propuso una muestra individual en La Capella, un espacio regentado por el Ayuntamiento. Esa exposición me dio gran visibilidad, se publicó un catálogo, y me puso en contacto con una comunidad de artistas y comisarios que formaban parte del círculo Clot, a quien siempre agradeceré aquella oportunidad.
¿Cómo ha pensado la obra para Es Baluard Museu y para el Museo CA2M? Estas dos exposiciones surgieron por un deseo explícito de Bea Espejo, la comisaria, de poder enseñar mi obra en España de manera completa y no fragmentada, con tantas omisiones, como hasta ahora. No hemos pretendido mostrar una evolución, sino definir un campo de interés y de trabajo, sobre todo acotar un terreno. En las muestras, hay obra desde 2002 hasta 2025. La sede de Mallorca acoge esculturas recientes, de 2022 a 2025, y unas fotos de 2010, como ejemplo del trabajo anterior. En el Museo CA2M, hemos podido articular unas 25 obras, de fechas diferentes. Ha sido ideal contar con las cuatro salas de una planta, de las que hemos enfatizado su conexión circular. Hemos pensado la exposición a modo de parque de esculturas, donde el encuentro entre el espectador y las piezas forma un recorrido fluido.
La exposición propone un recorrido por tres décadas de su trabajo. ¿Cómo ve su evolución? Me ha puesto en evidencia un sistema de crecimiento en espiral, y no lineal; es decir, de volver a pasar por el mismo sitio una y otra vez pero en diferentes grados, intensidades o sutilezas. Me gusta ver que he sido fiel a mi creatividad, sin miedo a que las obras pudieran parecer demasiado diferentes. Lo más significativo es que mi práctica emerge de una necesidad y un compromiso por resignificar la cultura material que nos rodea, y el trabajo manifiesta esa inquietud constante. Mis trabajos se van articulando en el estudio, y son a la misma vez pregunta y respuesta. Lo que más deseo es poder transferir esta curiosidad a los espectadores, que puedan participar también de mis pequeñas indagaciones y descubrimientos, y que se sientan cómodos produciendo sus propias relaciones. La inquietud creativa ha sido constante, sostenida, siempre presente. Pero no puedo decir lo mismo de su materialización. Por tanto, sí que ha habido inflexiones, trabajos que no han estado al 100%. Creo que una evolución sostenida es sospechosa, el trabajo tiene que respirar como tú. Y estoy muy agradecida a los baches porque me han ayudado a definir mejor lo que quiero.
Sus esculturas “dialogan con el tiempo arqueológico y el cuerpo”, ¿cómo establece este diálogo? Bea Espejo habla del tiempo arqueológico como mi proceso de ir hacia atrás y hacia delante en la historia material, y también en lo somático -aludiendo a la memoria del propio cuerpo- como instrumento de trabajo, como manera de indagar profundamente y luego construir a partir de lo que he encontrado ahí. Esto se puede leer bien en las esculturas de la última década, que revelan varias capas de trabajo, no sólo a lo que se refiere cronológicamente, sino a partir de decisiones formales tales como cortes, juntas, omisiones, repeticiones.
¿Qué pensamiento filosófico atraviesa su trabajo? Filosofías que asuman que todo lo que necesitas está aquí y ahora; que mirar es siempre un mirar de nuevo; que cada objeto por minúsculo u ordinario que sea contiene la totalidad; que todo es perecedero y omnipresente a la vez; que no hay materia inerte; que todo se transforma en todo lo demás… [Marga Perera. Foto: Roberto Ruiz]
